Con la profesión del diseño de interiores con poco más de 100 años de antigüedad, estamos viendo las raíces de la historia del diseño de interiores y los siete decoradores legendarios que se hicieron un nombre por sí mismos cuando la industria comenzó a ganar impulso a principios de 1900.
Puede parecer un poco elemental, pero empecemos por lo básico de los servicios de diseño interior. El diseño interior se define como el arte y la ciencia de realzar el interior de un espacio para crear un ambiente pulido y más estético. Un diseñador de interiores es alguien capacitado para ejecutar planes, investigar, coordinar y gestionar proyectos decorativos con autoridad. La profesión de diseño de interiores es variada e incluye la planificación del espacio, el desarrollo conceptual, las inspecciones del sitio, la programación, la investigación, la comunicación con los clientes, la gestión del proyecto y la construcción y, por supuesto, la ejecución del diseño deseado.
Antes de que la profesión cobrara importancia, el diseño de interiores llegó instintivamente a coordinarse estrictamente con la arquitectura de los edificios. La profesión de diseño de interiores llegó con el auge de la sociedad de clase media y la complicada arquitectura que alcanzó su popularidad durante la revolución industrial. La búsqueda del mejor uso del espacio, junto con la atención al bienestar de los usuarios y al diseño funcional, sigue impulsando el desarrollo y las posibilidades de mejora de la vida de la actual iteración de la profesión de diseño de interiores. El término decorador de interiores se utiliza con menos frecuencia en el Reino Unido, donde la profesión de diseño de interiores sigue sin estar regulada y, lamentablemente, todavía no se considera una profesión oficial en la actualidad.
Ya en la antigua India, los arquitectos solían doblar su papel de diseñadores de interiores para desarrollar plenamente su visión completa, como se puede observar en las referencias del arquitecto Vishwakarma, uno de los dioses que figuran en la mitología india. Esas referencias presentan esculturas que ilustran textos y acontecimientos antiguos vistos en palacios construidos en la India del siglo XVII.
A lo largo del antiguo Egipto, las «casas del alma» o modelos de casas se regalaban en las tumbas como recipientes para las ofrendas de alimentos. A partir de estas baratijas evocadoras, es posible descifrar pistas sobre el diseño interior de varias residencias a lo largo de varias dinastías egipcias, incluyendo actualizaciones de la ventilación, pórticos, columnas, logias, ventanas y puertas.
A lo largo de los siglos XVII y XVIII y en la primera parte del siglo XIX, la decoración interior era una preocupación exclusiva relegada al ama de casa, o a un tapicero o artesano profesional que podía asesorar con seguridad basándose en su ojo artístico para el diseño interior de una casa. Por cierto, los arquitectos también se dirigían a los artesanos para crear el diseño interior de sus edificios. La práctica del diseño interior se remonta a los antiguos egipcios, que decoraban sus ingenuos hogares de barro con mobiliario básico realzado con pieles de animales, textiles sencillos, murales gráficos biográficos y espirituales, esculturas y urnas pintadas. Los ornamentos ornamentales de oro encontrados en las tumbas egipcias (como las del rey Tutankamón) y las baratijas ponían de relieve la necesidad de una decoración más distintiva y rica para simbolizar a los egipcios más ricos y poderosos.
Las civilizaciones romana y griega avanzaron en el arte egipcio de diseñar interiores y accesorios celebrando el orgullo cívico mediante la invención de edificios públicos con cúpulas en los techos. Para sus hogares, los elaborados muebles griegos de madera presentaban una intrincada decoración de marfil y plata, mientras que los romanos se concentraban en conjugar la belleza y la comodidad, con los interiores de los hogares de ambas civilizaciones diseñados para reflejar la riqueza y el estatus social y político. Los muebles romanos eran a menudo de piedra, mármol, madera o bronce, y se hacían cómodos mediante cojines y tapices expresivos. Para elevar sus hogares, tanto romanos como griegos trajeron jarrones y crearon fascinantes suelos de mosaico, y pinturas murales y frescos para hacer que sus espacios fueran únicos para ellos.
Después de este período de ornamentación decorativa, se produjo un movimiento repentino hacia la exactitud debido a las sombrías guerras en curso en toda la Europa medieval y el auge de la iglesia cristiana. Acuñada la Edad Media por una buena razón, la historia del diseño de interiores de la época incluía sombríos paneles de madera, mobiliario mínimo y únicamente práctico y suelos de piedra. Incluso los clientes más ricos de la época se aferraron a colores apagados y sobrios al añadir extras decorativos como tapices y trabajos en piedra.
Después de la Edad Media, los europeos volvieron a inspirarse para introducir color y ornamentación decorativa en sus hogares. Durante el siglo XII, se creó un estilo gótico oscuro y romántico para aprovechar al máximo la luz natural y los interiores abiertos, recientemente populares.
A lo largo de los siglos XV y XVI, el Renacimiento francés comenzó un renovado enfoque en el arte y la creatividad en el diseño de interiores. Los arquitectos de la época comenzaron a crear hogares con notas decorativas sustanciales incluyendo pisos de mármol, incrustaciones de madera ornamentadas, pinturas y muebles hechos con los materiales más finos. Una rápida mirada a los palacios, villas y capillas reales de la época seguramente resaltará lo mejor del diseño interior del Renacimiento.
Tras el Renacimiento, los intrincados y complejos diseños del Barroco italiano se apoderaron de Europa. El Palacio de Versalles en Francia, por ejemplo, hizo un uso notable de elementos de diseño interior barroco como mármoles y piedras de colores, vidrieras, techos ornamentados y columnas en espiral. En el siglo XVIII, los diseñadores de interiores europeos hicieron que el estilo rococó se hiciera cada vez más popular, al tiempo que se inspiraban en el gres asiático, los estampados florales y los muebles con incrustaciones de detalles exóticos como el marfil y el nácar.
Desde principios del siglo XIX en adelante, se encontró a menudo más libertad y eclecticismo en el diseño de interiores en Europa y América. Y durante los dos siglos siguientes, una serie de movimientos innovadores y modernos de diseño interior irían y vendrían con el cambio de los tiempos, incluyendo el Art Deco, Art Nouveau, Victoriano, y el estilo industrial Bauhaus. El siglo XIX vio, sin embargo, lo último en apreciación y popularización del diseño interior. Ya no eran exclusivas de los recintos reales y de las casas de los ciudadanos ricos, las posibilidades de un diseño interior que mejorara la vida empezaron a alcanzar masas críticas en la última parte del siglo XIX.
Y para el siglo XX, la funcionalidad se convirtió en un componente clave en el enfoque del diseño interior, ya que la creciente presencia de electrodomésticos como estufas, lavadoras y televisores impulsó un nuevo desafío para los diseñadores de interiores, que tenían que diseñar los espacios con algo más que razones estéticas en mente.
A medida que avanzaba el siglo XX, los diseñadores noveles y numerosas publicaciones se esforzaban cada vez más por derrotar el dominio que los grandes almacenes de lujo ejercían sobre el mundo del diseño de interiores. Antes de eso, la autora feminista inglesa Mary Haweis produjo una serie de ensayos populares en el decenio de 1880 en los que ridiculizaba la excitación de una clase aspirante de burgueses que buscaban amueblar sus casas apresuradamente en torno a los estrictos pero insípidos límites que les imponían los almacenes. Su respuesta fue que la gente debería aprovechar la oportunidad de crear una particular toma de un estilo de diseño adaptado exclusivamente a sus necesidades y estilos de vida. «Una de mis convicciones más fuertes, y uno de los primeros cánones del buen gusto, es que nuestras casas, como la concha del pescado y el nido del pájaro, deben representar nuestros gustos y hábitos individuales», escribió.
La lenta transición hacia la consideración de las artes decorativas como una profesión artística individual, aparte de la sabiduría de los vendedores que ofrecían los fabricantes y minoristas, se vio impulsada en 1899 con el lanzamiento del Instituto de Decoradores Británicos, presidido por John Dibblee Crace, que representaba a más de 200 diseñadores de interiores de todo el país, y en 1915 el Directorio de Londres vio aumentar la lista de 127 personas que trabajaban como decoradores de interiores profesionales, de las cuales sólo 10 eran mujeres. Rhoda y Agnes Garrett fueron las primeras mujeres que, según los registros, recibieron formación profesional como diseñadoras de interiores en 1874. La importancia de su labor de diseño se consideró en ese momento paralela a la del legendario maestro de interiores William Morris. En 1876, su guía -Sugerencias para la decoración de casas en pintura, carpintería y muebles- consolidó aún más su autoridad y difundió sus ideas sobre los enfoques artísticos del diseño de interiores para una clase media ávida de diseño. Hasta hace poco, cuando un hombre quería amueblar, visitaba a todos los comerciantes y seleccionaba pieza por pieza . Hoy en día, envía a un comerciante de muebles y accesorios de arte que examina todas las habitaciones de la casa y aporta su mente artística para tratar el tema», como escribió el carpintero y constructor ilustrado en 1900.
De vuelta en América, Candace Wheeler, considerada como una de las primeras mujeres diseñadoras de interiores, animó a una nueva visión del diseño de interiores americano. Fue una figura clave en el desarrollo de los primeros cursos de diseño de interiores para mujeres en varios de los principales centros de Estados Unidos y fue celebrada como la autoridad definitiva en la decoración del hogar en ese momento. Otra influencia destacada en la recién categorizada profesión de la decoración fue The Decoration of Houses, una guía de diseño de interiores ampliamente leída y consultada, escrita por Edith Wharton y el maestro arquitecto Ogden Codman en 1897 en Estados Unidos. En el popular libro, los autores consideraban que la decoración y el diseño interior de estilo victoriano eran irrelevantes. Ya no eran viables las casas frías, oscuras y malhumoradas decoradas con mobiliario pesado, accesorios victorianos y asientos rellenos de mechones. Consideraban que el estilo de diseño había dado demasiada importancia al mobiliario tapizado en lugar de a la planificación del espacio y a los detalles arquitectónicos, haciendo que las habitaciones fueran lúgubres, incómodas, intocables y, por tanto, demasiado preciosas. Su libro sigue siendo considerado como un momento seminal y su éxito impulsó el ascenso de diseñadores profesionales de interiores que adoptan posturas similares.
Como puede ver, el mundo del diseño interior ha recorrido un camino notable desde que los antiguos egipcios, como diseñadores de hoy, tienen acceso ilimitado a un sinfín de movimientos de diseño, estilos de mobiliario e influencias del pasado:
Edad de Piedra 6000 a 2000 a. C.
La primera señal de un acercamiento al diseño interior se observó en las viviendas prehistóricas con flora y fauna. Esas viviendas estaban hechas de barro, pieles de animales y palos.
Europa Neolítica 2000 a 1700 a. C.
En la actualidad, la primera cerámica artesanal definida que se utilizó tanto por razones prácticas como decorativas.
Antiguo Egipto 2700
El surgimiento de las familias reales vio por primera vez a la gente viviendo en estructuras además de las chozas de barro. Las nuevas estructuras contaban con murales que retrataban su historia y sus creencias. Los avances en la civilización y en los estilos de vida permitieron que los ciudadanos decoraran sus casas con su propio estilo único por primera vez. Los griegos más ricos poseían mobiliario con incrustaciones de marfil y detalles de plata.
Imperio Romano 753 a. C. a 480 d. C.
Una época austera en la que la realeza no podía evocar su riqueza simplemente a través de sus hogares. Los romanos decoraban sus casas con murales y mosaicos, y los muebles presentaban pies con garras.
La Edad Media 900 a 1500
La Edad Media vio el desinterés en el diseño de interiores con la gente optando por simples paredes de madera panelada, muebles mínimos, y pisos de losa de piedra.
El Imperio Bizantino 500 a 1500
Durante este período las grandes cúpulas y la decoración decadente tomaron el centro del escenario.
El período renacentista 1400 a 1600
La belleza del diseño interior fue una característica importante durante el período renacentista con grandes muebles y arte realizado en tonos vibrantes y lujosos textiles como la seda y el terciopelo junto con superficies de mármol. Y como las alfombras eran demasiado preciosas y caras incluso para los clientes más ricos, se utilizaron como arte mural cuando fue posible.
Gótico 1140 a 1400
En respuesta a la edad oscura, la ornamentación decorativa y los colores llamativos fueron una vez más características prominentes del diseño interior.
Barroco 1590 a 1725
Elementos artísticos ostentosos y ultra ricos hechos para una receta de suntuosos diseños interiores con vitrales, columnas retorcidas, mármol de color, techos pintados, y espejos dorados y candelabros de gran tamaño.
Tradicional 1700 hasta hoy
Encarnado por un espíritu formal, el diseño interior tradicional sigue siendo un pilar hasta hoy. El diseño tradicional de interiores es un término amplio que pone de relieve diversos estilos de diseño y movimientos que no están enclavados en una dirección o espíritu cerrados.
El diseño tradicional celebra la ilustre y rica historia del pasado contrastándola con elementos decididamente modernos para dar un giro elegante a un bello diseño, a la vez que pone de relieve la decoración europea de los siglos XVIII y XIX. Es un estilo de diseño intemporal que evoca el glamour y la comodidad fáciles y es una gran dirección para los que aprecian las antigüedades, el arte clásico, la simetría y el diseño rico en historia.
Rococó 1700
Un estilo de diseño hiperelegante y fastuosamente detallado que toma como referencia las siluetas botánicas, el diseño interior rococó presentaba elementos únicos como la concha de tortuga y los adornos de perlas junto con la porcelana asiática.
La Revolución Industrial de 1760 a 1820
A lo largo de la Revolución Industrial, el diseño de interiores estuvo disponible para un público más amplio y fue más fácil de acceder para la población general que nunca antes. Esto se debe en gran parte a la facilidad de los procesos de impresión, que crearon una amplia distribución de publicaciones de moda y estilo de vida, y al hecho de que los artículos de lujo se hicieron cada vez más asequibles.
Estilo neoclásico 1780 a 1880
Inspirándose en las antiguas culturas griega y romana para los detalles y motivos arquitectónicos, esta época vio cómo el mobiliario se basaba en gran medida en el uso de metales de bronce y oro, y en muebles suaves de seda, terciopelo y satén. La tendencia a combinar el papel pintado y el mobiliario también se impuso.
Tropical 1880\’s to Today
A medida que el imperio británico se extendía por países como la India y territorios como las Indias Occidentales, combinaba elementos de diseño interior de su país de origen y de las regiones que ocupaba para crear una embriagadora mezcla de lo tradicional y lo extoico.
Movimiento Estético 1800\’s to Today
Con el «arte por el arte» en mente, el Movimiento Estético fue una forma para que los radicales expresaran su desagrado por el actual y cansado diseño de interiores. La clave aquí estaba en que la practicidad y la función tomaran importancia antes que la belleza.
Toscana 1840\’s to Today
Tomando como referencia la naturaleza encantadora y calmante de la Toscana en Italia, el enfoque del diseño interior durante este período fue de una simplicidad directa con toques de lujo a buen precio.
Artes y Artesanías 1860 a 1910
Para destacar su oposición a los artículos ordinarios producidos en masa debido a las innovaciones de la Revolución Industrial, la gente recurrió a las artesanías tradicionales y a los elementos clásicos para producir muebles.
Rústico 1870\’s a Hoy
El diseño de interiores rústicos presenta muebles hechos a mano y grandes habitaciones abiertas con vigas y columnas de madera.
La decoración rústica proporciona la combinación perfecta entre un diseño confortable y sin complicaciones y una decoración práctica y funcional, que se combinan para crear un interior rústico cálido. Los materiales naturales funcionan como base y punto de partida para crear una envidiable decoración rústica de la casa que celebra la auténtica belleza de los materiales naturales para crear un espacio acogedor y hermoso.
Modernismo 1880 – 1940
El movimiento modernista acentuó la simplicidad, la claridad de la forma y rechazó el ruido en el diseño.’, «Algunas de las figuras principales del movimiento incluyen a Mies van der Rohe, Le Corbusier, y Eero Saarinen, cuyas firmas vistas en su siempre popular mesa y silla Saarinen son el epítome del estilo de diseño.
Art Nouveau 1890 a 1920
El entusiasmo detrás del movimiento Art Nouveau fue traer siluetas naturales derivadas de elementos botánicos que le dieron a la época su firma de líneas curvas y formas orgánicas.
El resurgimiento colonial de 1905 a la actualidad
Popular en los Estados Unidos e impulsado por el centenario, el resurgimiento colonial encontró inspiración en los estilos históricos neoclásico y georgiano. Con mucho, el estilo más popular de la época hasta la Segunda Guerra Mundial, algunos creen que el lanzamiento del automóvil contribuyó a despertar el interés de la gente por las referencias históricas al poder visitar libremente los puntos de referencia documentados.
Ecléctico 1900’s a Hoy
Algunos historiadores señalan el aumento de la necesidad de diseñadores de interiores que comprendieran cómo mezclar diferentes estilos de diseño con autoridad para el fuerte aumento de diseñadores en la industria a medida que el estilo ecléctico se hacía cargo de la inspiración estética.
El estilo ecléctico es todo acerca de la armonía y la unión de estilos dispares, yuxtaponiendo texturas y contrastando colores para crear una habitación cohesiva y bellamente realizada que no estaría fuera de lugar en una revista de decoración del hogar, ya que este es un estilo de diseño que requiere entusiasmo y un gran ojo. Y ya que el diseño de interiores ecléctico es todo acerca de la experimentación y el juego, diviértanse con la libertad que permite.
Moderno 1918 a 1950
Con un enfoque en interiores escasos y colores primarios audaces, el diseño de interiores moderno evitó la típica tendencia estética de diseño ornamentado y sobredecorado de la época.
Bauhaus 1920 – 1934
Celebrado hasta el día de hoy por sus gestos grandiosos pero mínimos y bellamente ejecutados, y fundado por el arquitecto alemán Walter Bauhaus, quien también creó la escuela de arte y diseño Bauhaus en la Alemania de Weimar, el movimiento produjo rápidamente algunos de los más influyentes arquitectos, escultores, diseñadores gráficos, fabricantes de muebles y disidentes del diseño de mediados y finales del siglo XX.
País 1920 a 1970
Con los billetes sacados de los entornos tradicionales de las granjas, el estilo rural era práctico pero con calidad, mobiliario de inspiración vintage.
La actual toma del estilo rural moderno de diseño de interiores es un clásico idílico. Alejándose de un estilo de diseño rural puramente tradicional; el país moderno permite aspectos más juguetones y matizados junto con notas mínimas.
Art Deco 1920’s to 1960
Este movimiento presenta una mezcla embriagadora de estilos de diseño de principios del siglo XX, incluyendo el constructivismo, el cubismo, el modernismo, la Bauhaus, el art nouveau y el futurismo. Uno de los estilos de diseño de interiores más conocidos, el Art Deco representaba la modernidad, el glamour cotidiano y la elegancia. La época se basaba en gran medida en líneas limpias, formas angulares sin complicaciones, colores vivos y patrones estilizados como zig-zags y figuras ópticas. Para añadir glamour, los adornos ornamentales y las superficies metálicas eran también distintivos de la época.
Los materiales utilizados en el diseño de interiores art decó son lisos y reflectantes para el glamour cotidiano en el hogar.», «Imagínese una sala de estar art decó moderna con una mesa de café dorada con tapa de cristal, lámparas cromadas y una alfombra con un patrón geométrico audaz en negro, oro y blanco. El cristal es también un material frecuentemente utilizado en el diseño art decó; ya sea a través de espejos, mesas con tapa de cristal, elementos escultóricos o un jarrón o una lámpara art decó, ya que el cristal añade la sensación de elegancia de una sala art decó.
Mediterráneo desde 1920 hasta hoy
Para evocar la sensación de los países europeos costeros, las texturas de terracota, piedra y azulejos estampados se destacaron mucho junto con el hierro forjado y los tonos acuáticos.
Surrealismo 1925 a 1930
Surrealistas como artistas famosos como Salvador Dalí, André Breton y Max Ernst usaron este movimiento de vanguardia para liberar a la gente de sus asociaciones de lo que era normal y en última instancia predecible en el diseño, la música, el arte e incluso el diseño de interiores.
Moderno de mediados de siglo 1930’s a hoy
Aunque el término moderno de mediados de siglo no fue acuñado hasta mediados de los 80’s, y aunque nadie sabe realmente su verdadera línea de tiempo, la era representa una combinación de practicidad de la post Segunda Guerra Mundial, optimismo de la era de los 50’s, terrenalidad de la era de los 60’s, y tonos y texturas de la era de los 70’s envueltos prolijamente en una elegante oda a la simplicidad escandinava.
Llámelo una reacción a la decadencia y la sofisticación dorada del diseño interior y la arquitectura hasta los años 40, si quiere, ya que en el momento de su creación, la decoración moderna de mediados de siglo fue una completa refutación y un nuevo comienzo para los sentidos. A diferencia de otros movimientos estéticos, la decoración moderna de mediados de siglo se racionaliza en el diseño, ya que la forma sigue a la función mientras resalta los materiales utilizados, en lugar de convertirlos en algo que no son.
El moderno escandinavo desde 1930 hasta hoy
Este movimiento pone de relieve las virtudes de los objetos prácticos de diseño hermoso que son fácilmente asequibles y accesibles, por lo que el movimiento sigue siendo popular hasta el día de hoy.
Perteneciente a la escuela del modernismo, el diseño interior escandinavo es un movimiento de diseño caracterizado por su enfoque en el funcionalismo y la simplicidad. Además, el diseño interior escandinavo suele estar influido por una conexión con la naturaleza, que combina formas naturales, abstracción y el uso de elementos naturales.
Transición de los años 50 a la actualidad
Con la invención de la televisión y su prominencia en la mayoría de los hogares de los EE. UU., el diseño interior de los aparatos ayudó a alimentar más que nunca el apetito de las masas por la decoración.
El estilo de transición se refiere a una mezcla de mobiliario tradicional y moderno, fabricaciones y características decorativas que le dan más libertad a la hora de decorar su casa con facilidad, ya que no hay fin a las direcciones que puede tomar el estilo de diseño. En esencia, el diseño de interiores de transición es la combinación de varios estilos de diseño reunidos simultáneamente para crear un diseño cohesivo en una habitación.
Postmodernismo 1978 – Hoy
Este movimiento nació como un desafío a lo que la gente vio como la genérica blancura del movimiento modernista. Una de sus principales figuras fue el arquitecto y diseñador italiano Ettore Sottsass, con su firma de formas juguetonas, impresiones abstractas e historias de colores poderosos.
Contemporáneo de los años 80 a la actualidad
El diseño de interiores contemporáneo es clásico pero a fondo del momento y atemporal gracias a una decoración ligera y sobria que asegura que nunca se sentirá anticuado.
Mientras que la decoración moderna puede parecer fría, limitante y abiertamente minimalista, el estilo contemporáneo es calmante y sereno, y está salpicado de elementos arquitectónicos, detalles decorativos, atención a escalas atrevidas y una paleta de colores concisa para crear un espacio cálido y de fácil sofisticación.», ‘
La simplicidad, las líneas limpias, los juegos de texturas y el dramatismo tranquilo son fundamentales para lograr un hogar de estilo contemporáneo perfectamente equilibrado.
Elsie de Wolfe
Anunciada como «la primera decoradora de interiores de América», la vida de Elsie de Wolfe era tan opulenta como las habitaciones que decoraba, como se muestra arriba en el icónico abrigo de alta costura con destellos dorados de Elsa Schiaparelli. Después de educarse en Escocia y de ser presentada en la corte de la Reina Victoria, regresó a los Estados Unidos y se convirtió en actriz, donde compartió un singular «matrimonio bostoniano» (un término para dos mujeres solteras que viven juntas, de Henry James, The Bostonians ) con la exitosa agente literaria y amante Elisabeth Marbury.
Su estilo en el escenario y su vestimenta de costura de París la convirtieron en una influyente creadora de gustos entre los espectadores de su público, lo que la llevó a ser conocida como la mujer mejor vestida del mundo. Su primera incursión en el diseño de interiores fue una evasión total de la oscura y melancólica decoración victoriana de la casa que ella y Marbury compartían. Después de que lograra rediseñar su residencia declarando, simplificando y minimizando su interior fuertemente ornamentado, se convirtió en la primera decoradora de interiores en recibir un encargo de diseño. Ese encargo fue para decorar el primer club social de élite para mujeres de la ciudad de Nueva York, el famoso Colony Club, que contaba con un montón de miembros notables con apellidos como Whitney, Morgan, Harriman y Astor. De Wolfe pronto se convirtió en la decoradora de interiores más popular de su tiempo, y en 1913 publicó el primer libro de diseño de interiores, «The House in Good Taste».
Celebró lo inesperado mezclando estampados de animales con Chinoiserie, tenía afinidad con los estilos Regency y Chippendale, así como con las combinaciones de colores en blanco y negro, y fue pionera en la representación del color beige en la decoración.
Sus proyectos más notables incluyen las casas de Condé Nast, los Frick y los Hewitts. Su postura anti-victoriana y las habitaciones más luminosas, más ventiladas y menos complicadas y de mentalidad más minimalista y refinada siguen siendo populares hasta el día de hoy.
Jean-Michel Frank
No es de extrañar que los artistas se inspiren habitualmente en el mundo que les rodea, y es fácil imaginar el efecto embriagador del París de los años 30 en el decorador y diseñador de interiores más célebre de la época, Jean-Michel Frank. Por suerte para él, sus proyectos se centraban a menudo en la colocación de Picassos y Braques en los espacios que decoraba, y su equipo de amigos influyentes incluía a todos los artistas parisinos del Banco de la Izquierda como Man Ray y personas de la sociedad como los Rockefeller.
Considerado como un minimalista con una rica inclinación, sus capas de maximalismo divino hacen que su trabajo sea aún más intrigante e inspirador. Como diseñador de muebles, sus siluetas eran reducidas y sutiles y estaban acabadas con detalles lujosos. Piense en los intrincados biombos de mica, las puertas de bronce, los accesorios hechos de cuarzo y la serie de muebles cubiertos de shagreen y las sillas club de piel de oveja que diseñó para el legendario fabricante de artículos de lujo Hermès. El blanco era una de sus tonalidades favoritas, a la vez que hacía que pareciese sobrio y complejo. A Frank también se le atribuye el diseño de uno de los muebles minimalistas más emblemáticos de la historia, la mesa Parsons, que a menudo cubría con el más lujoso de los acabados. Hoy en día su trabajo sigue siendo celebrado en los museos, su mobiliario crea subastas que baten récords, e incluso se pueden comprar reproducciones de sus piezas más icónicas diseñadas para Hermès.
Sister Parish
Conocida por su perspicaz forma de ser indulgente, a Sister Parish se le atribuye la creación del look Country americano, uno de los estilos de diseño más perdurables de la última mitad de siglo. Nacida en el privilegio y el pedigrí, el look American Country de Parish se realizó a partir de su visión del English Country, aunque con más calidez, carácter y un atractivo casero y encantador.
Empezó su carrera como ama de casa sin formación que decoró su casa con mucha fanfarria. Habiendo llamado la atención de otras amas de casa de la alta sociedad que le encargaron el rediseño de sus propias casas, Hadley tomó nota de la necesidad de un diseño asequible durante la Gran Depresión y se presentó como «decoradora de presupuesto» para aquellos que buscaban refrescar sus hogares durante los desafiantes tiempos económicos de la